Agenda

Dans ce trio, Jefta van Dinther explore les liens entre mouvement et langage à partir de la pratique de la langue des signes. Les gestes de communication s’étirent, se déplacent et se transforment en matière chorégraphique, ouvrant un espace où différentes façons de percevoir, de lire et de ressentir entrent en dialogue.

Au croisement du hip-hop, de la danse contemporaine et du théâtre sonore, Quetzal est une ode à la liberté.

Inspirée de l’oiseau d’Amérique centrale qui se laisse mourir en captivité, la pièce explore ce qui arrive aux corps et aux êtres lorsqu’ils sont privés d’espace et de mouvement.

Par une écriture physique et sensible, Quetzal interroge la perte d’élan vital et la nécessité fondamentale de liberté pour rester vivant.

Avec Soul(s) Power, le chorégraphe Hamdi Dridi imagine un solo-duel mêlant danse et création musicale dans un processus hybride et évolutif.

Nourrie par des workshops et des improvisations, la pièce se construit comme une jam, au plus près du public. Musique et mouvement naissent simultanément dans des "bulles" immersives présentées in situ, créant une oeuvre vivante, en constante transformation, où la relation directe avec les spectateurs devient moteur de création.

Cinq danseureuses et un musicien live épousent l’instant pour livrer une ode ludique et sensible à l’éphémère, au fragile, à ce qui se consume et à ce qui refuse de finir. Dans le sillage de Landfall, Erika Zueneli module l’espace et le temps pour maintenir ouvert le champ des possibles.

Et si résister à la dureté ambiante passait par l’inefficacité ? Et si ouvrir, ne pas finir, rendait à l’époque sa part d'espoir ? Déjouer les attentes, célébrer la fragilité, oser le décalage et la digression : avec en sous-texte la modestie des marguerites, et pour boussole le désir de l’instant, le nouvel opus de Tant’Amati pose en principe l’ambivalence de la légèreté, de l’innocence, de la simplicité dans un monde intensément brutal.

Erika Zueneli y retrouve une partie des jeunes interprètes de Landfall et son complice de longue date Sébastien Jacobs, qui sculpte en direct un paysage sonore fait de mots et de sons, de mélodies baroques, de rock français, de chanson italienne. Dans un jeu de cadres, d’opacité et de transparences, d’apparition/disparition, de surprises gestuelles et textiles, une focale mouvante esquisse des tableaux fugaces où, à chaque instant, le familier rencontre l’inattendu.

Une co-présentation le Jacques Franck et Charleroi Danse

Le mythique Ensemble Intercontemporain, dirigé par Pierre Bleuse, et Les Insectes se déplacent à Charleroi pour une soirée de clôture du festival Ars Musica pulsée et hypnotique.

Cinq jeunes interprètes explorent leur quête d’identité dans un monde dominé par la technologie et le contrôle de l’information.

Entre surcharge et perte de repères, la pièce questionne notre rapport à la vérité, à la productivité et à l’humain. À travers une écriture mêlant breaking et popping, les danseurs et danseuses évoluent dans des espaces restreints, entre gestes organiques et mécaniques, cherchant à fuir une réalité où l’isolement fragilise les liens.

Issues de la scène break parisienne, Natasha "Kastet" Kiliachikhina et Chris Fargeot explorent dans Elles jouent pour toi ce que le break inscrit dans les corps et les identités au fil du temps.

Entre héritage des battles et écriture scénique, elles dévoilent une danse à la fois rigoureuse et vulnérable. Les corps dialoguent, se répondent et se transforment, jusqu’à brouiller les genres et dépasser la performance pour révéler une dimension sensible et intime du break.

Inspiré du gui, plante qui pousse en s’attachant à d’autres arbres, Viscum explore les liens d’interdépendance entre les corps.

La chorégraphe Anne Nguyen y déploie une écriture mêlant hip-hop et danse contemporaine, où appuis, déséquilibres et connexions deviennent matière chorégraphique. Sur scène, les danseurs se soutiennent, se traversent et se transforment, révélant une dynamique collective en constante évolution et une réflexion poétique sur la manière dont chacun existe à travers les autres.

Le mythique Ensemble Intercontemporain, dirigé par Pierre Bleuse, se déplace à Charleroi pour une soirée de clôture d’Ars Musica 2026 pulsée et hypnotique. Nous sommes Orage, créé deux jours plus tôt à la Philharmonie de Paris, est une invitation au réel, à la danse et à la rencontre, portée par une poétique du son et de ses couleurs. Entre timbres inouïs et sonorités telluriques joués par 35 instrumentistes, le public, debout, entourera un imposant gong birman suspendu ou un métallophone circulaire de 15 m. Orgue à harmonicas, orgue à trompettes : autant d’instruments conçus pour servir une œuvre hors norme et vivre une expérience de transe acoustique unique. Une question en filigrane : sans amplification, la musique a-t-elle la capacité de faire vibrer nos corps ? Et peut-elle libérer nos énergies en faisant éclater l’orage ?

Alesandra Seutin presenteert met Ceci n’est pas Noire: Act II een performance die het lichaam als een plaats van echo en culturele resonantie ziet – een plek waar opvattingen rond identiteit en thuishoren constant transformeren.

Deze immersieve creatie reflecteert op Alesandra’s ervaring als persoon van zowel witte Europese als Zwarte Zuid-Afrikaanse afkomst; een constante onderhandeling tussen intimiteit en blootstelling, kwetsbaarheid en projectie. Ceci n’est pas Noire: Act II gaat over het aanvaarden van innerlijke spanningen binnen de ontdekking van je eigen waarheid.

Tussen surreële visioenen en hybride narratieve vormen ontvouwt het stuk zich aan de hand van een episodische structuur, doorspekt met meerdere personages die moeiteloos worden belichaamd via Seutins bewegingsvocabulaire. Gebaren, vocals en live klanken vervlechten zich en roepen zo herinneringen op, doorkruisen geografische en persoonlijke landschappen en onthullen de gelaagde complexiteit van een hybride identiteit.

In Ceci n’est pas Noire: Act II verkent Seutin haar gelijknamige creatie uit 2013 opnieuw. Ze verweeft op behendige wijze theatrale middelen om thema’s als de externe blik, transformatie en aangenomen sociale rollen te (her)ontdekken en te bevragen hoe fluïde en misleidend uiterlijkheden kunnen zijn.

Beleef mee deze intieme maar doelgerichte reis waarin Alesandra Seutin je uitnodigt om het lichaam te beschouwen als een ruimte van herinnering, verbeelding, kwetsbaarheid en – finaal – kracht.

In Version(s) brengt gevierd choreografe Dorothée Munyaneza (Umuko, Mailles, …) twee mannen samen: Christian Nka, voormalig bokser en legende in de noordwijken van Marseille; en Ben LaMar Gay, componist en muzikant uit Chicago en trouwe metgezel van Dorothée. Via de klanken van Ben ontvouwt zich een portret van Christian en bevraagt Munyaneza voor het eerst expliciet mannelijkheid – een polymorfe identiteit in volle omwenteling – en wat we erven en doorgeven.