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Quand l’acrodanse et les arts visuels se rencontrent ça donne naissance à cette créature poilue mobile, se transformant lentement en chimère mi-femme mi-bête, troublante et surréaliste.
Un univers poétique, étrange mêlant humour et sensibilité.

Dans un univers étrange et surréaliste, deux femmes affrontent leur bête intérieure, celle qu’elles ont apprise à taire mais qui leur pèse encore. Entre explosion et renaissance, elles traversent un chemin intime d’acceptation et de révolte. Un spectacle acrobatique et visuel construit comme le voyage d’une pensée qui avance, recule, se partage et se transforme. Animées par une passion commune pour l’acro-danse et les arts visuels, Morgane Maret et Martina Calvo questionnent avec force les représentations et stéréotypes liés aux femmes dans la société.

L’un s’appelle Francis, l’autre sAntoine. Les deux s’appellent Pedros. Le père, le fils. Deux danseurs.
L’un, de formation classique, a été soliste du Ballet Royal de Wallonie, l’autre est danseur urbain spécialisé dans le locking et chorégraphe au sein de sa propre compagnie. Tous les deux sont traversés par leur pratique à laquelle ils ont consacré leur vie.

Lorsque la chorégraphe Maria Clara Villa Lobos rencontre la famille Pedros, une idée germe dans son esprit. Dans un duo intergénérationnel, où la fougue de la jeunesse rencontre l’expérience de l’âge, Maria Clara Villa Lobos nous conte la relation d’un père et d’un fils à travers le langage de la danse qui leur est commun, mais aussi à travers leur parole, leurs souvenirs, leurs anecdotes.

Leurs photos sont la porte d’entrée dans le parcours intime et professionnel de cette famille hors du commun, elles tissent un lien entre le passé et le présent, entre deux générations de danseurs. Un voyage comme une ode au corps dansant... quel que soit son âge.

Opéra Punk, ce sont 4 interprètes incarnant des danseurs, des musiciennes, des chiens, des amoureuses, les vagues de la mer... passant de l’un à l’autre comme on se transforme lorsqu’on traverse les rideaux d’un théâtre pour entrer sur scène.

Nous sommes à la fois dans les coulisses, et en train d’assister au spectacle.

Dans cette comédie musicale, la musique est acoustique, les sonorités passent de mélodies romantiques à des chansons punk poignardantes.

Transcendant les générations, un quatuor de femmes explore les intersections de la danse et de l’art plastique. Inspirée par les logogrammes de Christian Dotremont ou les graffitis qui recouvrent les murs de nos villes, Michèle Noiret revisite le corps et la trace. Autant de propositions pour inventer des partitions chorégraphiques à partir de traces existantes.

Captivée par le monde du sommeil et des rêves, Pauline Corvellec en fait la matière onirique de cette création tout public, à découvrir dès 8 ans. Bienvenue dans le songe d’une nuit dansée.

Un voyage théâtral et dansé dans l’univers du karaoké, entre exubérance des sentiments et réinvention de soi.
“J’ai toujours été fasciné par ces espaces qui déconnectent les individus de la réalité quotidienne pour les amener dans une autre forme d’interaction”, avance le performeur et chorégraphe. Le karaoké en fait partie : on s’y dévoile, désirs en bandoulière, sans la pression du jugement ou de la perfection. Le temps d’une chanson, l’individu se raconte, au cœur d’un instant collectif.
La recherche d’Habib Ben Tanfous gravite autour de la vulnérabilité, qui devient ici vecteur de connexion, moyen de “partager un espace commun où on n’a pas peur de se livrer”.
Cet Orchestre vide n’escamote pas le kitsch, ingrédient essentiel, et soigne la fluidité de circulation entre les performeur·euses et le public – qui ainsi peut devenir acteur des microfictions qui se créent au gré des chansons d’amour, trait d’union universellement pop.

Nous sommes en l’an 3000 sur la Terre, et plus personne ne sait qu’un jour, les humains ont parlé, se sont raconté des histoires… Plus personne ne se souvient qu’ils ont su rire, danser, aimer…

Aujourd’hui, les humains ne savent plus qu’une seule et unique chose : un jour, ils iront à noVLand.

Alors ils marchent, encore et encore, même s’ils oublient sans cesse pourquoi ils marchent, même s’ils ne savent plus pourquoi il faut y aller. Mais tout de suite, sur la Terre, il vient de se produire quelque chose de totalement inattendu… Un événement qui pourrait changer à jamais le cours des choses…

Un moment de grâce suspendu, tout en apesanteur.

Qu’est-ce qui pousse un être humain à défier la gravité, quitte à prendre des risques incommensurables ? À aller toujours plus haut, ressentir l’ivresse des cimes, malgré la peur du vide ? À trop vouloir s’approcher du soleil, on finit par se bruler les ailes. Corps extrêmes est une expérience vertigineuse pour laquelle le chorégraphe français Rachid Ouramdane convie deux adeptes emblématiques des pratiques extrêmes, le highliner Nathan Paulin et une grimpeuse d’exception. Si proches de l’envol et entourés de huit danseurs et danseuses, ils nous offrent une performance hybride et saisissante.

Propulsés par la musique et repoussant les limites, ces aventuriers hors-normes arpentent mur, hauteur et paysages. Ils y dévoilent leur force et audace comme leur sensibilité aigüe et vulnérabilité charnelle. Libres face au vide, ne se retrouve-t-on pas face à nous-mêmes ?

Un moment familial lors duquel dialoguent poésie, philosophie et prouesses.

Nous sommes en l’an 3000 sur la Terre, et plus personne ne sait qu’un jour, les humains ont parlé, se sont raconté des histoires… Plus personne ne se souvient qu’ils ont su rire, danser, aimer…
Aujourd’hui, les humains ne savent plus qu’une seule et unique chose : un jour, ils iront à noVLand.
Alors ils marchent, encore et encore, même s’ils oublient sans cesse pourquoi ils marchent, même s’ils ne savent plus pourquoi il faut y aller .
Mais tout de suite, sur la Terre, il vient de se produire quelque chose de totalement inattendu… Un événement, qui pourrait changer à jamais le cours des choses…

Fervent adepte de la responsabilité et de la liberté des interprètes, Thomas Hauert s’y appuie ici plus que jamais. Sur le plateau que partagent les membres de la Cie ZOO et de Platform K, hors de toute hiérarchie, se joue une expérience créative, collaborative, singulièrement intense, joyeusement interactive.

Uit de driehoeksverhouding tussen Brussel, Gent en Antwerpen ontspringt in de jaren 80 een lichting radicale dansvernieuwers. Anne Teresa De Keersmaeker, Wim Vandekeybus, Marc Vanrunxt, Alain Platel en nog vele anderen dringen druppelsgewijs de Belgische schouwburgen binnen met hun onconventionele voorstellingen. In een mum van tijd overspoelen ze ook Nederland, Europa en de rest van de wereld. Die ‘Vlaamse Golf’ heeft ons kijken en dansen diepgaand beïnvloed, blijkt nu, zo’n 40 jaar later.

In A Wave maakt choreografe Zoë Demoustier de balans op. Met een vijftiental dansers – van Opera Ballet Vlaanderen, aangevuld door jongeren, een danser van Platform K en performers die de stukken van weleer creëerden – deconstrueert ze monumentale scènes uit de jaren 80 en 90 met het oog op de toekomst. Samen zoeken ze uit wat doorgegeven moet worden en wat een update kan gebruiken. Maar vooral: hoe referenties geen keurslijf maar een bron kunnen zijn voor dansplezier en – wie weet – een nieuwe golf.

Ni Ni Ya Mo Mo s’inscrit dans cette large question qu’est la complexité d’un héritage : les traces enfouies qu’il laisse, la responsabilité que l’on a et la liberté que l’on prend vis-à-vis de ce leg qui ne nous appartient pas tout à fait.