Issues de la scène break parisienne, Natasha "Kastet" Kiliachikhina et Chris Fargeot explorent dans Elles jouent pour toi ce que le break inscrit dans les corps et les identités au fil du temps.

Entre héritage des battles et écriture scénique, elles dévoilent une danse à la fois rigoureuse et vulnérable. Les corps dialoguent, se répondent et se transforment, jusqu’à brouiller les genres et dépasser la performance pour révéler une dimension sensible et intime du break.

Inspiré du gui, plante qui pousse en s’attachant à d’autres arbres, Viscum explore les liens d’interdépendance entre les corps.

La chorégraphe Anne Nguyen y déploie une écriture mêlant hip-hop et danse contemporaine, où appuis, déséquilibres et connexions deviennent matière chorégraphique. Sur scène, les danseurs se soutiennent, se traversent et se transforment, révélant une dynamique collective en constante évolution et une réflexion poétique sur la manière dont chacun existe à travers les autres.

Le mythique Ensemble Intercontemporain, dirigé par Pierre Bleuse, se déplace à Charleroi pour une soirée de clôture d’Ars Musica 2026 pulsée et hypnotique. Nous sommes Orage, créé deux jours plus tôt à la Philharmonie de Paris, est une invitation au réel, à la danse et à la rencontre, portée par une poétique du son et de ses couleurs. Entre timbres inouïs et sonorités telluriques joués par 35 instrumentistes, le public, debout, entourera un imposant gong birman suspendu ou un métallophone circulaire de 15 m. Orgue à harmonicas, orgue à trompettes : autant d’instruments conçus pour servir une œuvre hors norme et vivre une expérience de transe acoustique unique. Une question en filigrane : sans amplification, la musique a-t-elle la capacité de faire vibrer nos corps ? Et peut-elle libérer nos énergies en faisant éclater l’orage ?

Mis deze unieke kans niet om een legendarisch verhaal herboren te zien in een hedendaagse, dansante gedaante
Na het uitzonderlijke succes van Oorlogsdochters en Notre-Dame brengt Glen Lambrecht Ballet zijn 4e avondvullende productie “Jeanne d’Arc”.

Deze nieuwe creatie vertelt het aangrijpende verhaal van Jeanne, een jong meisje dat de roep van een hogere macht volgt en uitgroeit tot één van de meest iconische figuren uit de Europese geschiedenis.

In een regie en choreografie van Glen Lambrecht wordt Jeanne’s innerlijke strijd, haar onwankelbare geloof en haar tragische lot verbeeld in een meeslepende danstaal die het spirituele en menselijke met elkaar verbindt.
Met een krachtige internationale cast, adembenemende muziek en een abstract, beeldend decor brengt Jeanne d’Arc een intens theatraal ballet dat zowel emotioneel meeslepend als visueel overweldigend is.

Alesandra Seutin presenteert met Ceci n’est pas Noire: Act II een performance die het lichaam als een plaats van echo en culturele resonantie ziet – een plek waar opvattingen rond identiteit en thuishoren constant transformeren.

Deze immersieve creatie reflecteert op Alesandra’s ervaring als persoon van zowel witte Europese als Zwarte Zuid-Afrikaanse afkomst; een constante onderhandeling tussen intimiteit en blootstelling, kwetsbaarheid en projectie. Ceci n’est pas Noire: Act II gaat over het aanvaarden van innerlijke spanningen binnen de ontdekking van je eigen waarheid.

Tussen surreële visioenen en hybride narratieve vormen ontvouwt het stuk zich aan de hand van een episodische structuur, doorspekt met meerdere personages die moeiteloos worden belichaamd via Seutins bewegingsvocabulaire. Gebaren, vocals en live klanken vervlechten zich en roepen zo herinneringen op, doorkruisen geografische en persoonlijke landschappen en onthullen de gelaagde complexiteit van een hybride identiteit.

In Ceci n’est pas Noire: Act II verkent Seutin haar gelijknamige creatie uit 2013 opnieuw. Ze verweeft op behendige wijze theatrale middelen om thema’s als de externe blik, transformatie en aangenomen sociale rollen te (her)ontdekken en te bevragen hoe fluïde en misleidend uiterlijkheden kunnen zijn.

Beleef mee deze intieme maar doelgerichte reis waarin Alesandra Seutin je uitnodigt om het lichaam te beschouwen als een ruimte van herinnering, verbeelding, kwetsbaarheid en – finaal – kracht.

In Version(s) brengt gevierd choreografe Dorothée Munyaneza (Umuko, Mailles, …) twee mannen samen: Christian Nka, voormalig bokser en legende in de noordwijken van Marseille; en Ben LaMar Gay, componist en muzikant uit Chicago en trouwe metgezel van Dorothée. Via de klanken van Ben ontvouwt zich een portret van Christian en bevraagt Munyaneza voor het eerst expliciet mannelijkheid – een polymorfe identiteit in volle omwenteling – en wat we erven en doorgeven.

Comment perçoit-on le monde à travers notre peau ? Lucie Yerlès et son équipe nous offrent une performance sensorielle généreuse entre cirque, théâtre et danse.

En tant que circassienne, Lucie Yerlès a pris conscience d’un décalage entre sa propre expérience du toucher – quotidienne, technique – et celle qui domine dans nos sociétés occidentales, où le contact physique reste principalement réservé à la sphère intime. Que signifie toucher ou être touché·e ? Sur une piste ou un plateau, c’est surtout une nécessité. Les portés, le main à main ou les « parades » supposent une écoute fine et une responsabilité physique. Ce lien corporel est outil autant que prise de risque.

Corps tendres s’appuie sur ce décalage. Quatre circassien·nes et un musicien proposent une performance immersive dans un paysage doux et ludique. Le projet émane d’un travail de recherche mené en amont avec des amateur·ices lors d’ateliers. Au-delà de la virtuosité acrobatique circassienne, Corps tendres nous invite à modifier notre regard sur la proximité tactile, pour en révéler la troublante complexité.

Que reste-t-il d’un spectacle une fois les derniers applaudissements évanouis ?

Le 25 juin 1946, au Théâtre des Champs-Élysées à Paris, c’est la première du ballet Le Jeune homme et la mort, chorégraphié par Roland Petit, d’après un argument de Jean Cocteau. Soixante ans plus tard, Olga de Soto choisit non pas de reconstituer l’œuvre mais d’en recueillir les échos.

Fidèle à son goût pour le travail de mémoire, la chorégraphe mène une enquête sensible à partir d’un matériau inattendu : les souvenirs des spectateur·ices présent·es ce soir-là. Leurs récits, forcément parcellaires, parfois contradictoires, composent une reconstitution touchante. La cape de la danseuse Nathalie Philippart était-elle rouge ou noire ? Les envolées du virtuose Jean Babilée fulgurantes ou suspendues ? Peu importe l’exactitude. Ce sont les variations qui font de ce récit un dispositif de transmission, entre danse et performance documentaire, où la mémoire collective devient une œuvre vivante. histoire(s) révèle ce qui traverse le temps et subsiste dans les cœurs de cell·eux qui l’ont vue.

Imaginez… Vous choisissez une chanson, la notez sur un bout de papier. Vous avez le cœur qui bat la chamade. Vous saisissez le micro tendu puis, devant une foule d’inconnu·es, vous commencez à chanter… Dans Orchestre vide, longing for you, cinq personnages aussi éclectiques que singuliers explorent le karaoké comme espace où tous les épanchements sont possibles. Dans les interstices des chansons, se joue leur combat entre corps social et corps qui déborde, entre souci de se contenir et besoin irrépressible de se raconter.
« Karaoké » est un mot-valise japonais qui signifie « orchestre vide », en référence à l’interprète chantant seul·e, sans musicien·nes. Pour le sociologue sud-coréen Young-ha Kim, cette pratique serait la résurgence d’un besoin d’exprimer notre désir artistique. Plus qu’un divertissement ou une simple parenthèse, il est un lieu où se dévoiler et se réinventer, sans jugement ou exigence de perfection. À la fois songe et réalité, expérience individuelle et collective, il est aussi le terreau des souvenirs ou de la nostalgie d’un futur à venir.
Et si, le temps d’une soirée, on (re)découvrait des facettes de soi inconnues ou oubliées, étouffées par le quotidien et la normativité ? Et si d’autres histoires étaient possibles ? Avec Orchestre vide, longing for you, Habib Ben Tanfous compose un éloge à la vulnérabilité, envisagée comme un puissant vecteur de connexion et de communauté. En amont du spectacle, nous vous invitons à plonger dans le grand bain des chansons d’amour, en participant au karaoké qui aura lieu chaque soir, une heure avant la représentation.

IT’S GOT LEGS!!!!!! naît d’une question : quelles nouvelles formes surgissent lorsque les figures historiques queer, les icônes et les divas de Broadway et d’ailleurs se retrouvent enfermées dans la prison d’un postmodernisme impassible ? Le camp flamboyant et le minimalisme peuvent-ils partager la même scène ?
Le résultat prend la forme d’un prélude infernal et sans fin à un « cabaret » qui met à nu la précarité de toute construction : celle d’un spectacle comme celle d’un soi. À partir des outils les plus élémentaires du théâtre et de la performance DIY – microphones, haut-parleurs, lumières et décor –, Samir Kennedy et Sean Murray se demandent si la manière dont nous fabriquons nos identités diffère vraiment de celle dont nous fabriquons un spectacle.
Embrassant tout à la fois la laideur et la beauté chaotique du devenir comme du défaire, IT’S GOT LEGS!!!!!! retrace les chorégraphies complexes de la soumission, de la subversion et de la séduction auxquelles nous sommes tous·tes contraint·e·s, en tant qu’interprètes, artistes et êtres humains. Évoluant dans un espace où l’arrivée est sans cesse différée, le duo semble souvent ne chercher qu’à s’en sortir…
Préparez-vous à une revue apparemment interminable d’interprétations vulgaires, viscérales et vampes des « numéros » oubliés qui sommeillent dans les profondeurs de nos esprits. Les références aux duos iconiques se multiplient, tout comme les doubles sens, tandis que Samir et Sean mettent au jour la seule chose vraiment tangible dans cette vie comme dans ce métier : l’instabilité <3

Imbibée par le souvenir du carnaval de Buenos Aires et de ses rythmes indomptables, Ayelen Parolin entraîne douze interprètes dans une exploration à partir de la joie et des puissances du collectif, une ode à la force révolutionnaire des corps, célébrant la complexité dans un bain d’énergies contrastées.