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Sorcière noire jugée dans les procès de Salem au XVIIème siècle, Tituba est le point de départ de la nouvelle performance de Dorothée Munyaneza, qui aborde la question de la mémoire et de l’héritage.

Tituba est un symbole de résistance à l’oppression, à laquelle Maryse Condé a donné vie avec son livre Moi, Tituba, sorcière… en 1986. Pour lui rendre hommage, ainsi qu’à toutes les voix et les corps effacés, tus et meurtris par l’oppression coloniale, Dorothée Munyaneza dépeint une archive corporelle capable de collectionner et d'honorer les vécus nés de la dispersion.

La pièce plonge dans un monde de connexions, où une rencontre entre deux individus se transforme en une rencontre entre trois individus. Elle se veut une exploration vivante de la dynamique de groupe et décrypte la quête ludique et pourtant profonde d'appartenance.
Trois danseurs explorent leur position dans l'espace, leur position les uns par rapport aux autres. Ils jouent à se déplacer. Ils essaient de construire des structures avec leurs corps.
Mais que se passe-t-il si l'un d'eux décide de partir ? Est-ce que tout le "château de cartes" s'effondre alors ? Quelles décisions prenons-nous lorsque nous avons envie d'appartenir à un groupe ?

Daniel Linehan est un invité de marque de deSingel : son travail y est présenté presque chaque année depuis la saison 2009-2010, et de 2017 à 2021, il a été l'un de nos artistes associés. À ce titre, il a créé la performance solo "Body of Work" en 2019, en réfléchissant à son propre passé de danseur. Avec "Kiss The One We Are", Linehan renvoie à un groupe de huit danseurs les questions qui ont surgi au cours de cette réflexion personnelle. Ensemble, ils réfléchissent à la signification de la danse dans leur vie.

Ressentez les vibrations de la house jusqu'à vos orteils et laissez-vous emporter par le collectif d'artistes Be House dans la performance de danse "Until The Beat Never Fades" (Jusqu'à ce que le rythme ne s'estompe jamais). En collaboration avec Cheb Runner (producteur, DJ et musicien), Be House explore la profondeur de la musique house, l'ancrage rythmique des battements quatre sur quatre qui fait bouger chaque corps dans une répétition instinctive. Dans ce dialogue entre le danseur et la musique, les sons répétitifs symbolisent une métaphore des rituels développés par le collectif. "Until the Beat Never Fades" révèle le pouvoir de la connexion collective, invite à ressentir et à partager l'énergie ensemble. Faites l'expérience de l'harmonie collective.

"Flesh can't not 'tis flesh h..." est une performance multisensorielle de l'artiste costaricien-nicaraguayen Mario Barrantes Espinoza.

Nous entrons dans un monde de science-fiction aux sons du reggaeton et de la danse urbaine perreo. Deux corps en feu nous guident à travers les paysages d'un monde extraterrestre. Ils nous emmènent dans une exploration de l'identité et de l'histoire queer du point de vue d'un migrant d'Amérique centrale en Europe.

Avec "Vlaemsch (chez moi)", un spectacle de Sidi Larbi Cherkaoui est de retour sur la scène de DE SINGEL pour la première fois depuis 2019. Dans sa dernière création, le chorégraphe belgo-marocain se confronte aux racines flamandes qu'il a héritées du côté de sa mère. Pour ce faire, il collabore avec l'artiste visuel Hans Op de Beeck, le musicien Floris De Rycker et le créateur de mode Jan-Jan Van Essche. Ensemble, ils jettent un pont vers la Flandre prospère du XVe siècle, à l'époque où la réputation de la région était répandue par ses artistes de renommée internationale.

Dans FeL, la chorégraphe Karolien Verlinden explore les spectres de couleurs de la lumière et joue sur les formes et les perceptions visuelles générées par ses rayonnements. Sur scène, les deux danseuses révèlent une œuvre d'art lumineuse kaléidoscopique.

Partant de la physicalité féminine, Florentina Holzinger navigue entre des genres populaires comme le talent show ou la revue et l'Art canonisé avec un grand K. Pour son dernier spectacle tous azimuts "Ophelia's got talent", la maestro viennoise des arts de la scène s'est inspirée des personnages littéraires féminins liés à l'eau : Léda, Mélusine, Ondine, nymphes, Néréides, sirènes et, bien sûr, Ophélie. Elles nous attirent (et Holzinger nous attire) dans les profondeurs pour confronter le public à ce qu'il ne veut pas voir : une catastrophe climatique imminente, les guerres, la misogynie, l'objectivation... Dans son paysage de scènes océaniques, Holzinger réfléchit à la violence, à la reproduction et à la guérison. Une étude spectaculaire et physique de la psychologie de l'eau au XXIe siècle par une troupe intergénérationnelle de femmes énergiques et téméraires.

Respublika est une expérience de théâtre totale, portée par un collectif d’acteur·ices, de performeur·euses et de régisseur·es techniques qui s’engagent dans une tentative de questionner leur relation au travail, et, par rebond, la nôtre. Est-ce que créer de la musique et organiser une dance party peut être considéré comme une forme de résistance ? Est-ce que l’idée d’une république basée sur des principes économiques autres peut donner naissance à une nouvelle raison d’être ?

Un tourbillon souffle sur la scène. Les musiciens créent une petite tornade. Une ligne de basse entraînante propulse les danseurs dans toutes les directions de la scène. La musique et la danse sont si contagieuses qu'il est impossible de rester assis.

Dans Nomadics, huit danseurs explorent comment donner une voix à la nature. C'est l'endroit par excellence pour se détendre, mais que rendons-nous en retour? Les interprètes dépeignent la façon dont la nature se retourne vers l'homme et souffre de ses traces. Ils incarnent la façon dont elle reprend sa place et se venge. Cela se fait à partir d'une imagination inadéquate - parce qu'humaine - mais aussi contagieuse et fantaisiste.

Avec Fampitaha, fampita, fampitàna, signifiant la comparaison, la transmission, la rivalité en malgache, la chorégraphe Soa Ratsifandrihana fabrique une histoire qu’elle aurait aimé entendre et voir. Entre récits radiophonique, musical et chorégraphique, ce spectacle diasporique joue entre oralité et mouvement, pour nous rappeler que nos corps, au même titre que nos paroles ou nos sons, portent des histoires. Soa s’entoure du guitariste Joël Rabesolo et des performeur.euses Audrey Merilus et Stanley Ollivier, avec qui elle voyage vers une errance, une créolisation peut-être.

« La créolisation emporte ainsi dans l’aventure du multilinguisme et dans l’éclatement inouï des cultures. Mais l’éclatement des cultures n’est pas leur éparpillement, ni leur dilution mutuelle, il est le signe violent de leur partage consenti, non imposé. » – Édouard Glissant