Een choreografisch parcours waar kunst en perspectief versmelten tot fysieke poëzie in de openbare ruimte
Hoe bepalend is een kader voor een schilderij? Wat als je het kader weghaalt? Of omgekeerd: wat als je het kunstwerk weghaalt en enkel naar het kader kijkt? Frames onderzoekt deze relatie tussen kader en kunst, en plaatst de fysieke lichaamskunst van Not Standing in beeldkaders in de openlucht.

Alexander Vantournhout en zijn drie mede-performers focussen opnieuw op lichaamskunst in zijn meest pure vorm. Meticuleus bouwen de vier performers aan steeds veranderende lichaamssculpturen in de kijkkaders. Lichamen verstrengelen, hangen aan en klimmen op de kaders, wandelen ondersteboven en tarten de zwaartekracht én je verbeelding. Elke beweging is een continue zoektocht naar balans, waarbij samenwerking en lichaamscontrole centraal staan.

De toeschouwer kan dit alles van alle kanten bekijken: van voren, opzij en zelfs van onderaf. Perspectieven kantelen, fysieke logica lijkt te verdwijnen. Frames nodigt je uit op een parcours langs choreografische installaties die kunst en kijkperspectieven uitdagen en vermengen tot fysieke poëzie in de openbare ruimte.

In het afgelopen decennium creëerde Alexander Vantournhout een impressionant en divers oeuvre, met groepsvoorstellingen zoals Foreshadow (2023) en Contre-jour (2021); solo's als VanThorhout (2022) en ANECKXANDER (2015) en duetten als every_body (2024) en Through the Grapevine (2020). Met Frames breit hij een vervolg op de locatievoorstelling SCREWS (2019). Not Standing nodigt je opnieuw uit om de comfortabele schouwburgzetel in te ruilen voor een exploratie naar de grenzen van het lichaam, de ruimte en het kijkperspectief.

De dansers van Danscentrum Movere staan opnieuw op het podium van CC Zwaneberg met een spetterende dansvoorstelling. Alle groepen brengen hun eigen choreografie, waardoor verschillende dansstijlen binnen Movere aan bod komen. Voor de dansers is dit het moment om aan het grote publiek te tonen waar ze het hele jaar met veel enthousiasme aan hebben gewerkt.

Nous sommes en l’an 3000 sur la Terre, et plus personne ne sait qu’un jour, les humains ont parlé, se sont raconté des histoires… Plus personne ne se souvient qu’ils ont su rire, danser, aimer…
Aujourd’hui, les humains ne savent plus qu’une seule et unique chose : un jour, ils iront à noVLand.
Alors ils marchent, encore et encore, même s’ils oublient sans cesse pourquoi ils marchent, même s’ils ne savent plus pourquoi il faut y aller .
Mais tout de suite, sur la Terre, il vient de se produire quelque chose de totalement inattendu… Un événement, qui pourrait changer à jamais le cours des choses…

L’alliance de leurs gestes et de leurs voix crée un bal furieux et magnétique. La compagnie CocoonDance, portée par Rafaële Giovanola et Rainald Endrass, se transforme en bande exaltée au style baroque dans CHOREIA, grâce à une orchestration subtile des corps.

Sur l’air de La Reine de la Nuit de La Flûte enchantée, la chorégraphe Tatiana Julien et ses comparses font résonner une chorale de gestes et de voix, alternant entre harmonies et dissonances. Dans ce bal aussi facétieux qu’inquiétant, la beauté émerge de l’alchimie du collectif.

Le chorégraphe Hofesh Shechter reprend un de ses hits à l’occasion des vingt ans de sa compagnie. Sur des rythmes entraînants, les danseur·euse·s assènent des gestes souples et puissants, qui esquissent un tableau fascinant de relations humaines.

Retour d’un chef-d’œuvre, d’un moment de danse-théâtre où la virtuosité se mêle à une poésie troublante. Créé en 2007 et présenté à Namur en 2008, Le Salon a parcouru les scènes du monde entier, imposant Peeping Tom comme l’une des compagnies majeures de la création contemporaine.

Tout commence par un décor d’un réalisme saisissant.

Un salon défraîchi, familier, presque banal, où affleurent encore, par fragments, les traces d’une ancienne opulence. Un espace en apparence rassurant, figé dans un quotidien reconnaissable.

Mais peu à peu, à la manière d’un film de David Lynch, le réel se fissure. Les repères se brouillent, le temps et l’espace se dérèglent, l’univers bascule vers l’instabilité et l’étrangeté.

Le public devient alors le témoin captivé de ce qui, d’ordinaire, reste enfoui : les pulsions, les failles, les zones d’ombre d’un individu ou d’une communauté.

Dans ce glissement du visible vers l’invisible, Le Salon révèle un monde aussi fascinant qu’inquiétant, où la beauté surgit au coeur du trouble.

Près de vingt ans après sa création, Le Salon revisited revient non comme une simple reprise, mais comme une relecture et une réappropriation de sa question centrale :

Comment les familles, les nations et les individus font-ils face à l'érosion de leurs certitudes ?

ÉMEUTE est une pièce chorégraphique et sonore pour deux performeuses qui interrogent les rapports de domination et la mise en mouvement collective.

À partir de la matière « Œuf », Thi Mai Nguyen et Marion Faure proposent une réflexion sur les thèmes de la fragilité, de la responsabilité, de la transformation et du pouvoir des actions.

Chaque pas, chaque mouvement du corps, sont une métaphore de la manière dont nos actions peuvent parfois avoir des conséquences inattendues et potentiellement destructrices. Chaque choix que nous faisons peut influencer notre environnement et les personnes qui nous entourent, tout comme chaque pas peut briser les œufs sur le sol. La relation entre l’écriture des mouvements du corps et la brisure des œufs peut être vue comme une métaphore de la dualité entre création et destruction.

Un jeu de question-réponse s’invente avec la DJ qui scratche avec ses vinyles. Les mouvements passent du combat à la gestuelle des émeutiers, des manifestants en passant par des mouvements de fêtes où le corps s’abandonne au beat de la musique électronique : "je suis un corps qui veut s’échapper de ces injustices et ici tenter de faire une émeute à 2 !" Thi Mai Nguyen.

Salué comme une "merveille audiovisuelle" dès sa création en 2010, Political Mother s’est imposé comme une œuvre majeure, propulsant la Hofesh Shechter Company au premier plan de la scène internationale. Radical, marquant et profondément novateur, le spectacle a su se réinventer au fil des versions, explorant toujours plus avant les dynamiques du pouvoir, de la connexion humaine et de la fragilité.
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À l’occasion des 20 ans de la compagnie, Political Mother REMASTERED réinterprète la partition originale : Shechter y mêle sons et images, créant un univers audiovisuel percutant, sublimé par les animations numériques de Shay Hamias.

Fidèle à la chorégraphie, aux lumières et au vocabulaire gestuel iconique de l’œuvre, cette version gagne en intensité grâce à l’énergie brute et à l’urgence d’une nouvelle génération de danseur·euses.
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Époustouflant, viscéral, inoubliable : Political Mother reste l’œuvre qui a redéfini la danse contemporaine. Elle a marqué son époque. Elle est de retour pour le faire à nouveau.

La star du flamenco Rocío Molina se livre avec humilité dans Calentamiento à un échauffement sans fin, où elle dévoile sa relation obsessionnelle à la danse et à son corps qui vieillit. Entourée de trois chanteuses et un danseur, elle fait exploser une danse libre et touchante.

Entre le pied et la marche.
Au milieu de l’air et des mots.
Là, la curiosité se frotte à la peur.
Là, les doutes, les hésitations et les décisions comblent le vide.
Là, on bouge pour la première fois.
On danse,
Avec un désir ardent et une audace innocente.
Que se passe-t-il dans la tête, dans le corps avant une première fois ?
Un premier pas ? Un premier mot ? Quel est le voyage d’une action avant qu’elle ne devienne une réalité ? Et pouvons-nous tracer ce voyage invisible pour les yeux et pourtant si riche en émotions ?