Regards de spectateurs

Spectacle – installation vu à la Balsamine le samedi 12 juin 2010 Chorégraphie concept: Anna Konjetzky/ Chorégraphie, danse, dessins: Sahra Huby.

Cube en verre de taille assez réduite, transparent pour le spectateur mais en miroir pour la danseuse qui y évolue craie ou fusain à la main, papier à disposition afin de s’y dessiner.

Sahra sait vraiment bien dessiner.

Elle a toujours dessiné depuis sa petite enfance.

Mais de par cette idée de se dessiner en plein mouvement dansé dans cette minuscule cage, Sahra veut ainsi nous aider à nous remettre en question quant à la perception, au regard, que nous avons face à un dessin, face à notre dessin.

Cet autoportrait, ne l’oublions pas, n’est t’il pas toujours notre miroir, image de notre personnalité réelle, analyse de notre « moi ».

Aussi se dessiner dans un tel espace confiné , mais également face à soi et en plus , dans toutes les attitudes qu’impose la danse , n’est ce pas un merveilleux moyen d’arriver à se connaître soi-même.

Le dessin papier ainsi exécuté ainsi ne va-t-il pas nous donner en plus une « trace » de notre image, titre d’ailleurs de cette chorégraphie.

Cette installation en plus d’être vraiment novatrice nous offre ainsi un réel outil sur un plan purement plasticien.

Sahra n’oublie pas ses spectateurs. Elle leur fait en plus don de son travail

Merci donc à nos deux chorégraphes.

Jean – Maurice Gillieaux

Au Kaaistudio's le 19 mars

Maria Hassabi, grecque, nous fait voir toutes les attitudes, poses pratiquement possible que le corps humain peut réaliser afin d’exprimer l’art dans ses différentes formes – poses des si belles sculptures de la Grèce antique – tout comme poses de nos modèles dans nos académies.

La danseuse profite de son profil idéal, long corps, souple, mince, gracieux, mains fines, etc…elle se connaît …nous donne ainsi à voir dans un rythme lent chaque pose qui se succède sans transition.

Les vêtements qu’elle porte, pantalon strict, tee shirt lui permet d’adopter aisément toutes les positions qui ainsi ne seront jamais impudiques.

En tant que plasticien, j’ai été comblé, Maria serait pour moi le modèle idéal pour différents travaux que j’élabore sur la danse, la beauté, la souplesse, le mouvement.

Le photographe serait, j’en suis sur, lui aussi vraiment ravi.

La musique, lors de ce solo, est pratiquement inexistante, juste un léger brouhaha qui ne distrait pas de l’objectif que la danseuse nous offre, la beauté pure dans toutes ses formes.

Jean-Maurice Gillieaux

«Je suis ici et il n’y a rien à dire. Si parmi vous, il y en a qui veulent aller quelque part, qu’ils partent…» Ainsi débute l’étrange exposé de John Cage, Lecture on Nothing, sur lequel vient se greffer la chorégraphie tout aussi étrange de Joanne Leighton. Lu et interprété par Odile Duboc, le texte explore le questionnement sur le sens des choses, sur la conviction que «nous ne comprenons rien et allons vers nulle part» et que toute structure, qu’elle donne forme à un courant de pensée ou à un morceau de musique, n’est pas éternelle. Après tout, quand John Cage rédige ce plaidoyer pour une remise en question de tout, la guerre a montré son vrai visage, d’une cruauté absurde et inhumaine. Selon lui, «il nous faut vraiment une structure pour voir que nous sommes nulle part».

Alors que la lectrice entame cette réflexion profonde ponctuée de propos proches du «n’importe quoi», les danseurs adoptent des mimiques soit en écho au texte, soit en décalage complet. Leurs poses de modèles surannés nous distraient, tels des élèves dissipés, de l’exposé. Sans prendre le temps de respirer, ils changent de costumes comme ils changent de registre… Le texte de John Cage, aussi. Du coup, il faut doubler d’attention, si l’on veut un tant soit peu capter un sens, du sens, dans ce non-sens…

L’exposé de Cage, structuré en parties, elles-mêmes divisées en unités, elles-mêmes en subdivisions, est faussement absurde. «Peu à peu, soudain, de plus en plus», on comprend que John Cage, compositeur, a écrit son texte comme une partition, avec des intervalles, beaucoup d’intervalles, et des répétitions, beaucoup de répétitions… Ce partisan de la «table rase» nous explique entre autres comment «peu à peu, soudain, de plus en plus», il a commencé à «entendre les sons, comme s’ils n’avaient pas été usés», un son «écouté directement avec l’oreille», identique et à chaque fois nouveau.

Au fur et à mesure, on comprend que s’il déclare sans détour «je ne parle de rien et bien entendu, je continuerai à parler pendant longtemps», il ne parle pas non plus pour rien. Et la chorégraphie, qu’elle s’éloigne ou se rapproche du sens des paroles, nous interroge sur la nécessité de regarder la danse sans passer par l’intellect, sur la nécessité d’oublier les référents.

En fin de compte, c’est un éternel retour à la case départ, une expression plurielle de l’incertitude profonde de la valeur de l’acquis. À l’exemple de cette danseuse que Joanne Leigthon habille d’innombrables couches de vêtements et qui, dans une sorte de jeu de gigogne, découvre d’autres images d’elle-même par le simple fait de les retirer une à une.

Cet état de fait nous ramène où nous en étions avant de reprendre ce que nous avions laissé après avoir arrêté ce que nous avions entrepris. En d’autres mots, avec ses mots, si «nous avons le sentiment d’arriver nulle part», c’est qu’«à l’origine, nous n’étions nulle part»… Décapant.

Sébastien Noulet

Spectacle vu le 25 novembre 2009 à la Raffinerie dans le cadre de la Biennale 09

Oh, voila un spectacle qui m’a vraiment bien plu.

D’abord,décrire le jeu en deux mots: un ours ,le danseur Erwin Wauters , entièrement couvert de longs poils roses va, tels les désirs ou recherches, interrogations,inquiétudes, etc, que peut ressentir un animal, manipuler le corps totalement inerte d’une jeune femme, ici interprété par Barbara .

Notre Ours va ainsi lui faire subir tout ce qu’un animal dans ses instincts les plus primaires peut ressentir, la manipuler, la balancer, la secouer, la jeter, la piétiner, la torturer.

Puis, et ce n’est plus alors l’animal qu’il faut y voir, la ligoter…jusqu'à l’empaqueter dans un vulgaire sac à poubelle et, prendre alors ce sac comme …couchette.

Tout ceci est réalisé avec plein de délicatesse.

Ce qui m’a particulièrement impressionné, c’est le jeu de Barbara, qui, tel un pantin, subit les torsions les plus inimaginables qu’Erwin lui impose, le spectateur, lui, ne la voyant plus que comme un vulgaire torchon inanimé.

C’est cette confiance absolue qu’elle doit avoir en Erwin qui m’a vraiment émerveillé, d’être ainsi rattrapée, reprise, jetée, tout cela rapidement, pour enfin se retrouver en position toujours bien définie à l’avance par les deux danseurs.

Toute la chorégraphie est pleine de tendresse, pleine d’humour.

La musique est belle, mais c’est la chorégraphie qui prime.

Pour la petite histoire, Barbara va s’animer et les rôles vont s’inverser, Elle prend la peluche d’ours d’Erwin, et lui prend les apparences du pantin.

Cette chorégraphie fait penser à une fable, mais aussi à une recherche de réelles relations Animal/Personne ou encore relation Homme/Femme.

Barbara est vraiment jolie et son corps est souple, très souple.

Son parcours en tant que danseuse et chorégraphe n’est pas nouveau. Elle s’est déjà produite à travers le monde; mais elle travaille actuellement en résidence à Charleroi/Danse, ce qui ne peut que nous satisfaire.

Nous la reverrons donc sûrement.

En tant que chorégraphe, on lui connaît pratiquement une vingtaine de chorégraphies importantes.

Oui, je le répète, j’ai aimé cette «fable» et ne peux que conseiller d’aller la voir.

Jean-Maurice Gillieaux

Spectacle donné à la Monnaie le 15 avril 2009-04-18 Pièce d’avant-garde

J’ai eu de la chance, installé au 4° étage de la très belle salle de La Monnaie, bien en face de la scène, j’avais pris mes jumelles puissantes et très lumineuses, j’ai ainsi pu observer de très près le très beau travail de 15 des danseurs de la compagnie de la chorégraphe sur le plateau. Merveille qu’elle maîtrise, quelle précision, mouvements assez lents où les danseurs se prennent, se reprennent dans une très belle chorégraphie avec pratiquement arrêt en fin de mouvement afin de mieux pouvoir l’admirer. C’était la première partie du spectacle suggérant un monde parfait.

La suite du spectacle est plus complexe et si l’on a pas bien lu le texte publié dans le numéro 7 du magazine de la Monnaie (texte vraiment bien fait), la chorégraphie ferait alors penser à une mélange de genre que l’on peut retrouver dans des spectacles de Jan Fabre ou Mathilde Monnier, c’est-à-dire, des problèmes essentiellement relationnels entre individus. Ici, Sasha Waltz a voulu montrer en plus d’ événements tels que les attentats du 11 septembre…l’ouragan Katrina…ceux, propres à sa vie, notamment un incendie de forêt détruisant tout un village ainsi que les abords de sa propriété en Corse. La chorégraphe a ainsi, au travers d’un travail particulièrement difficile pour ses danseurs, parfaitement traduit son angoisse. Les effets de scène sont plus que probants – incendie – destruction … etc. Il faut avoir vu Gezeiten, une brève description est impossible. J’arrive à la même conclusion que l’article de la Monnaie : on est vraiment lessivé en regardant cette chorégraphie.

Jean- Maurice Gillieaux

Une orgie qui laisse sans voix

Jan Fabre nous avait déjà habitués depuis longtemps à des mises en scène qui poussent à controverse, à des spectacles loin du "politiquement correct". L’Orgie de la Tolérance n’échappe pas à cette tendance en dressant un tableau plus que critique de notre société contemporaine. La couleur est annoncée dès que le spectateur entre dans la salle. Quatre sportifs, muscles saillants, s’échauffent en sautant sur place et en effectuant des mouvements lents et répétitifs. L’attention du spectateur ne peut se détacher de ces corps-machines, de l’enveloppe physique de l’acteur, de sa corporéité, de ses muscles en plein travail. Les acteurs se mettent ensuite à se masturber, contraints par d’autres, fusil à l’épaule, d’accélérer la cadence, d’atteindre l’orgasme à tout prix.

L’Orgie de la Tolérance dépeint une société où la jouissance immédiate est de rigueur, où le sexe est partout et où la surconsommation fait que les individus communient littéralement avec le matériel (ce dernier aspect sera notamment illustré de façon caricaturale par l’"accouplement" d’une des actrices et d’un canapé Chesterfield, d’un sac Vuitton, d’un acteur avec une roue de vélo, etc…).

L’argent est notre seule religion, il est indispensable de l’entretenir car il permet d’acheter et de jouir toujours plus.

Enfin, Jan Fabre critique de façon acerbe notre tendance à tout tolérer (famine, racisme, néonazisme,…), assis confortablement dans notre sofa, un verre de whisky à la main alors que nous n’acceptons pas certains "égarements" comme ne pas être en phase avec la société de consommation ; ne pas utiliser de produits cosmétiques, sentir mauvais. L’artiste s’oppose ainsi à l’aseptisation de la société, aux corps sans odeur, au fait de refuser la mort que chacun porte en soi (transpiration, excrétions,…).

Cette dernière création de Jan Fabre est, sous ses aspects loufoques, extrêmes et parfois hilarants, ahurissante de vérité. Que ceux qui pensent toujours que l’artiste prend un malin plaisir à provoquer gratuitement y réfléchissent à deux fois car ce spectacle ne laisse pas indifférent !

Delphine Cabu

Spectacle sans Titre

Salut LO,

Merci de m’avoir offert la place au Varia.

Figure-toi que je ne connais toujours pas le titre du spectacle. Sauf que c’est de Mossoux-Bonté. Mais je peux te dire ce que j’ai vu, ou plutôt, ce dont je me rappelle (ce que j’ai vu de « devant », et que toi, « derrière » en régie, tu n’as toujours pas vu ; ainsi tu pourras confronter l’avant et l’arrière !). Au commencement, on a l’impression d’être au début ou à la fin du monde, dans des temps préhistoriques ou apocalyptiques. Obscurité, et lumière progressive sur une femme qui se meut contre une paroi verticale. Travail sur les surfaces corporelles particulièrement réussi, grâce au maquillage, aux costumes ou aux lumières, je ne sais pas bien. Les corps ont cet aspect visqueux mais aussi terreux de batraciens, et se meuvent de façon également très batracienne, je veux dire par là, une qualité de mouvement dense, lente, spongieuse et parfois très incisive. Le jeu de lumière est particulièrement réussi, il déforme les corps, tantôt on a l’impression que les danseuses (quatre si j’ai bon souvenir) sont grassouillettes, ont des ventres ronds, elles se déforment constamment, et c’est aux applaudissements seulement qu’on découvre leur « vrai » visage et leur « vrai » corps. Et je ne me rappelle plus clairement de la musique, si ce n’est qu’elle est également très « du fond des âges », comme de la fumée, très égale, très constante. Tout cela donne, pour la première partie, une impression de cocoon étrange. Tout est homogène, bien construit : on est parti, sans à-coup, sans être dérangés. Notons que deux danseurs masculins vont s’introduire, mais sans distinction particulière, sinon qu’ils ont l’air hagard, un peu perdus voire stupides, tant dans leur présence scénique que dans leurs mouvements (à la différence des femmes : c’est fait exprès j’espère ?). Je distingue une deuxième partie : changements de costumes : peignoirs de bain blancs, chaussures talons pour les femmes (et pour les hommes, je ne sais plus ce qu’ils avaient aux pieds). Moi j’avais l’impression d’être dans un hôpital psychiatrique. Mais ce qui était remarquable, c’était la construction des scènes. Elles étaient construites par le passage des danseurs venant toujours de la droite et traversant la scène. C’était sans cesse la même scène qui se répétait, avec des changements progressifs subtils. Vraiment très réussi. Et figure-toi, je ne me rappelle plus de la troisième partie, car il devait bien y avoir une troisième partie. Les danseurs ne terminent pas en peignoirs, mais comment étaient-ils ? De nouveau avec cet aspect de batraciens ? (sans être nus). Cela me fait penser qu’à un moment, à la fin de la deuxième partie, les danseurs (ou seulement les danseuses, elles m’ont plus marquée) sont nus, derrière une paroi de verre. Mais je ne me rappelle plus de la fin... Si ce n’est qu’il y avait comme un retour au début. Et c’est peut-être ça qui m’a manqué, que tout s’est passé comme dans une boule de cristal qui n’a jamais explosé. Et j’ai fait le lien avec le dernier Mossoux-Bonté que j’avais vu à Charleroi : Khoom. Une même impression de spectacle réussi, très confortable au niveau visuel et sonore, mais trop lisse, trop cohérent, et où rien ne s’est vraiment passé..., si ce n’est la trace de ce plaisir passager.

DOL

Spectacle de 70 minutes vu au Rosas Performance Space le 30 août 2008

Nouveauté offerte par la chorégraphe belge Anne Teresa De Keersmaeker, en collaboration, pour la première fois, avec Ann Veronica Janssens pour la lumière.

Conformément à son éternel besoin de rénover la danse en y introduisant ses pensées sur le devenir de notre planète, Anne Teresa nous offre Keeping Still. Elle s’aidera pour cela d’un lied de Gustav Mahler, Das Lied von der Erde.

Solo de pratiquement plus d’une heure, mais quel solo! Danse très pure, mouvements fluides très lents…mais surprenants pour un néophyte, car ce solo est dansé pratiquement sans accompagnement musical. Le spectateur se rendra compte que toute la partition se trouve bien enregistrée dans la tête d’Anne Teresa, mais… elle ne la partage pas.

On n’entendra que très peu l’accompagnement musical.

Il faut le connaître.

Le public installé, les lumières sont éteintes. Après dix minutes de noir absolu, sans aucun bruit, à part la perception de quelques pas, Anne Teresa De Kersmaeker tente de nous faire participer à sa chorégraphie en nous chantant en allemand la complainte de Gustav Mahler.

(Heureux les connaisseurs car on ne distribuera la copie du Lied qu’après le spectacle.)

Enfin, ce long effet intentionnel de «noir dans la nuit » nous amène à une très belle naissance du jour au travers d’une brume intense.

On doit ce bel effet lumineux à la collaboration d’Ann Veronica Janssens qui a su diriger ses spots lumineux, ce qui au travers d’une brume intense nous donne à percevoir une danse propre à Anne Teresa De Kersmaeker.

Vient se joindre à elle, toujours dans le silence, pour un peut-être trop court instant, David Hernandez. Ils formeront un couple extrêmement suggestif.

Anne Teresa évoluant alors seule sur scène, nous laisse rêver la suite de cette « journée ». Notre regard est sans arrêt dirigé vers ses mouvements en perpétuelle évolution. Quelques rares notes de l’œuvre de Mahler vont nous aider à les suivre; mais elles sont rares.

Un moment particulier du spectacle : Anne tire les nombreux stores et volets de la salle et y laisse entrer, heureux effet du hasard, le soleil rougeoyant si rare dans nos régions. L’effet est sublime.

Anne dansera le Lied jusqu’au moment où elle sera à nouveau plongée dans la brume du soir ; le spectacle est très beau.

Anne est habillée tout simplement d’un vieux jeans troué et d’un polo défraîchi.

Elle terminera en venant s’asseoir parmi son public afin d’y méditer avec lui sur le devenir de la planète.

Elle sera récompensée par lui; il lui fera une très chaude ovation pour cette formidable prestation.

Jean-Maurice Gillieaux